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LA LADRONA DE LIBROS



“La ladrona de libros” narra la dura historia de una niña durante la II Guerra Mundial.  Liesel se queda huérfana y la envían a vivir con una familia de acogida en un pueblo cercano a Munich. Un conmovedor y emotivo relato que refleja, en un tono pausado, el drama que viven los ciudadanos, aunque lejos del frente, y la capacidad de resistencia del espíritu humano.

El título de la película se debe que el amor por la lectura lleva a Liesel a robar libros en la biblioteca del alcalde y precisamente los libros salvan su vida cuando durante un bombardeo ella se encuentra en el sótano donde se dedicaba a escribir y leer.


El hecho es que fui a ver esta película junto a mi madre. Y no es que piense que ella no hubiera debido verla pero según avanzaba el argumento me aumentaba el temor por el impacto que podía causar en ella traer a la memoria hechos similares a los que vivió en la guerra civil.


Mi madre vivió la persecución de su familia y la de muchas otras. Bien podía haber protagonizado una de estas películas del estilo de l"La ladrona de libros". También quedó huérfana ya que detuvieron y fusilaron a su padre sin más motivo que tener más tierra que el vecino que le denunció. Y durante varios meses vivió con otra familia en otra ciudad.


En la película el matrimonio que acoge a Liessel esconde a Max, hijo de un amigo, en el sótano. Durante el bombardeo Max no puede salir para ir al refugio siendo uno de los momentos de tensión cuando tienen que sufrir un registro en el que gracias a Dios no le encuentran.


Los dos hermanos mayores de mi madre (de 15 y 18 años) estuvieron escondidos sin salir de la casa los tres años que duró la guerra y su madre tuvo que sufrir 37 registros que cada vez la dejaban rota por el miedo y la tensión. Detrás de un armario se encontraba un ventanuco con la reja cortada durante el primer registro y por ahí huían y llegaban a otra vivienda.


También sufrieron bombardeos y, como en la película, cada vez que sonaba la sirena iban al refugio dejándose a los dos hermanos en la casa ya que ellos no podían ser vistos. El caso es que ocurrieron muchos horrores que ahora prefiero no detallar, dolorosos de traer a la memoria. 


Yo temía esos recuerdos y efectivamente ella comentaba y rememoraba a cada escena la dureza de lo vivido, más que con un sentimiento de sufrimiento asombrada de que estas experiencias tan cercanas para ella fueran motivo de un guión de éxito cuando los acontecimientos que ella vivió no han sido considerados.


Muchas Liesel y Ana Frank hubieron en España que, por no separar más a unos y otros, fueron dejadas en el olvido.


EL HAVRE

Tema de los créditos

He visto la película “El Havre” cuando no está ya en las salas de proyección y me ha sorprendido que no haya sido de las más nombradas de la temporada aunque ha recibido el premio FIPRESCI a la mejor película del año concedido por la Federación Internacional de Críticos de Cine. Claro que se puede entender porque no es una película efectista y su director, Aki Kaurismäki (finlandes), busca más bien la autenticidad, el realismo sobrio, la sencillez pura y dura de un barrio y unos personajes humildes, austeros, con rostros sin artificios rejuvenecedores. Y nos cuenta la historia de un buen samaritano del siglo XXI. Todo esto no es de lo más comercial.

                                                         
                                                                                 
El protagonista, Marcel, y sus vecinos no dudan en responder con solidaridad cuando en su rutinaria vida llena de pobreza se cruza un adolescente inmigrante.



Kaurismäki convierte toda esta tristeza en un milagro de vida para que al final digamos ¡qué bello puede ser vivir! Qué bello cuando somos generosos, cuando damos sin medida y sin miedo.

Marcel es limpiabotas y al principio de la película comenta a un amigo que hay dos oficios que cumplen los requisitos del Sermón de la Montaña, el de pastor y el de limpiabotas. Y también hay otro momento de la película en que se hace referencia a este Sermón, cuando dos sacerdotes, que solo aparecen unos segundos mientras a uno de ellos le limpian los zapatos, comentan entre ellos y dicen “Bienaventurados los humildes porque de ellos es el Reino de los Cielos”, “Jesús resucitó pero no se fue, se quedó entre nosotros”(es lo que recuerdo, puede no ser exacto).

Desde luego a lo largo de la película se descubre como Marcel se hace merecedor de todas las bienaventuranzas. Aunque las sinopsis que yo he leído no hacen referencia a nada de esto. Pero parece muy evidente también por el desenlace. 

¡Resulta difícil expresar todo lo grande que nos parece un guión sin destriparlo!  

                                           Aki Kaurismäki

Cuánto puede decir este director con economía de medios, con economía expresiva, pero con mucha precisión y una belleza muy medida. Cómo nos llama a la conciencia social sin sensiblerías, al revés, con cierto humor. 

Y una banda sonora muy interesante: En las películas de este director suele haber un concierto de rock y en esta tenemos a Little Bob, figura del rock francés de los 70 nacido en esta ciudad, El Havre. 


Me ha encantado el rock de Little Bob y también otra canción de 1965 que se recupera para los créditos, “Matelot",  de “The Renegades”.(al principio de la entrada)

¡Ah!, otra cosa, hay un algo en la película, cómo la importancia de las escenas de bar y la música,  que me recuerda un montón Casa Blanca. Pero sobre todo un personaje, el inspector, por su modo de hacer y sus reacciones.  


                                                                                                                     
Para mí es la primera película de este director y ya me he hecho con la lista de todas las anteriores para verlas. Además, resulta que El Havre es el comienzo de una nueva trilogía, que efectuará su segunda parada en Vigo. Estoy deseando que se estrene.

No se pierdan el Havre, es una película maravillosa.                                                         

MAKBUT, ¿CREES EN EL DESTINO?

No puedo dejar de haceros esta recomendación de cine para Navidad.
El sábado mi marido insistió en ir a ver Maktub, yo tenía sueño y no me apetecía mucho salir pero le vi realmente interesado y fuimos.

¡QUÉ MARAVILLA DE PELÍCULA!!!!!!!!

Fue empezar la película y sentirme perfectamente. Se te quitan todos los males. Es encantadora, divertida, profunda. Perfecta para ir TODOS a verla esta Navidad.

En ella podéis escuchar frases como:


"No es más grande quien más ocupa,


sino quien más vacio deja cuando se va"



"La magia de tu sonrisa sigue estando con nosotros para siempre".



"Dios existe
".



La película, de la Warner, está realizada por la Fundación Aladina que ha creado un nuevo centro de trasplantes en el Hospital de niños “Niño Jesús” de Madrid.

Este hospital sale en la película y enseguida reconocí su bonita entrada con un paseo porque yo he llevado allí a mis hijos.

La dirección y el guión son de Paco Arango ¡Vaya éxito para su primer largometraje! Maktub está inspirada en su propia experiencia en la Fundación Aladina de la que es fundador.

“Quería plasmar en esta película lo que he aprendido de estos pequeños campeones. Ellos saben más del amor y del perdón que cualquier persona que haya conocido. Y algo que me llama poderosamente la atención es que no paran de sonreír. Por ello mi historia es un alegre cuento de Navidad.” P. Arana

Makbut en árabe quiere decir: Estaba escrito. Y es el título de la película porque en ella se habla de cómo un encuentro puede cambiar tu destino.




Los actores españoles son buenísimos. Entre ellos Amparo Baró y Aitana Sánchez Gijón. Al niño protagonista, Andoni Hernández, no le conocía porque es su estreno en la gran pantalla después de ser seleccionado tras varios castings realizados en las Islas Canarias. Desde ahora ya soy su fan. ¡Vaya actorazo! Sabe ser simpático de una manera muy natural. Y atentos, el personaje que interpreta existió en la vida real.
El otro protagonista es Diego Peretti, muy buen actor argentino y muy divertido que ya conoceréis por sus papeles en “Tiempo de valientes”, “No sos vos, soy yo”...

¿Creéis en el destino?


© 2011 WARNER BROS PICTURES INTL. ESPAÑA.


¡TENÉIS QUE VERLA!







TÍTULO ORIGINAL: Dex hommes et de dieux

DIRECTOR: Xavier Beauvois
GÉNERO: Drama histórico
CALIFICACIÓN:


El domingo fui a ver "De dioses y hombres" con JI. El actor y director Xavier Beauvois presenta un relato basado en un hecho real. En la década de los 90, ocho monjes cistercienses residen en el Monasterio del Atlas, en Argelia. Cuando un grupo extremista amenaza a los religiosos, éstos tendrán que decidir qué actitud tomar: regresar a Francia, su país de origen, o permanecer en el que consideran su hogar. Nos recuerda lo importantes que son las convicciones y lo mal que avanzan los pueblos cuando la sinrazón impera sobre la lógica, que es casi siempre, más o menos.
Al salir del cine estábamos bastante conmovidos.


J.I.: Es impresionante, me ha gustado mucho.


Fran: Además de estar basada en hechos reales se ve todo tan conseguido, los monjes parecen exactamente los auténticos, sobre todo Luc, el monje médico que atendía el dispensario. Los actores son muy buenos y eso que no son conocidos. Yo creo que los escenarios son reales, ese debe ser verdaderamente el monasterio y ese era el pueblo con el que se sintieron tan unidos y al que tanto ayudaron.




J.I.: Obtuvo en el último festival de Cannes el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes. Y Francia la presenta al oscar.


Fran: Qué fortaleza demostraron quedándose para no abandonar a la gente que les necesitaba. Se entiende mejor cuando el jefe del pueblo les dice que ellos son como las ramas de un árbol que sostiene a los pájaros. Ellos son la rama sobre la que el pueblo se apoya.


J.I.: Si, ese amable pueblo islámico ajeno a disputas mayores. Con el que convivían participando incluso en sus festejos religiosos. Eso era verdadera alianza de civilizaciones y verdadero amor al otro. Es una pena porque creo que sin embargo aquí en España nunca se hubiera hecho esta película.
Esta película francesa es un ejemplo de sencillez y no busca la confrontación religiosa, al contrario.

Fran: A mí me impresionó esa frase, creo que era de Christian el prior, cuando hablaba ante la posibilidad de su muerte con esa convicción: "Entonces podré, si Dios así lo quiere, hundir mi mirada en la del Padre para contemplar con El a Sus hijos del Islam tal como El los ve. "


J.I.: Sabían lo que significa amar, lo demuestran también cuando curan al terrorista. El director aboga por situar la tensión de la película fuera de la violencia y enfoca hacia el sufrimiento moral, las vacilaciones con el natural instinto de supervivencia y su valiente actitud al elegir no abandonar y resistir firmemente ante el asedio físico y moral, acosados por los terroristas, incomprendidos por un gobierno que desconfía y al que no pocos achacan lo que allí sucedió.


Fran: Hombres que se comportaron como dioses.






ELSUEÑO DE ALEXANDRA

Entre las películas taquilleras de este invierno la mejor con diferencia para mí es “Gran Torino”, del genial Clint Eastwood que adoro, pero seguro que ya la habéis visto o la tenéis en lista de espera.

La que quiero comentar no creo que haya sido tan celebrada o tan bien calificada y por lo tanto no tan vista, pero yo creo que merece estar entre las grandes.

EL SUEÑO DE ALEXANDRIA

En esta película hay dos historias entrelazadas.

Hay una historia real: En un hospital católico en Los Ángeles de los años treinta hay una niña recuperándose de una fractura en un brazo por una caída.



Alexandria que es prototipo de naturalidad, corretea por el hospital con el brazo en cabestrillo y conoce a Roy, un especialista en escenas de acción de Hollywood que está grave por un accidente en el rodaje. Pero lo peor que le ocurre a Roy es que no quiere seguir viviendo por un desengaño amoroso. Entablan amistad y él le cuenta un cuento.


Y hay una historia de ficción que es el cuento que Roy va contando en sucesivos encuentros con Alexandria.

La niña en su imaginación traslada a las personas con las que conviven en el hospital a los diferentes personajes del cuento, empezando por Roy que en el cuento será su padre.






La princesa será
una de las enfermeras.





El casco de los guerreros del general Odio
es el mismo que llevan en el hospital
los médicos de rayos X.











La depresión de Roy hace derivar el cuento hacia la tragedia. Pero en la imaginación de Alexandria el cuento se transforma en mundo multicolor, el drama estará sembrado de esperanza y redención.




La niña lo vive tan intensamente y hay tal encuentro entre realidad y ficción que llegan a coincidir dando un resultado para Roy en su vida real. La fantasía se ha convertido en remedio. La relación con la niña y la influencia de esta es determinante para él.

Es un canto a la vida y a la fantasía donde se hacen posibles las cosas imposibles. Además en el cuento se da la pugna ética entre el bien y el mal. Gracias a la generosidad y valentía de los héroes ¡al fin triunfa el bien! Y esto se traslada a la realidad.


El caso es que la historia de ficción es de una estética asombrosa, fastuosa, de mucho colorido, con reinos lejanos, seis héroes desterrados que luchan contra su enemigo común, el general Odio.

Tarsem, el realizador, se empeña en rodar directamente en escenarios originales. Antes de comenzar el rodaje, había viajado durante más de 14 años por numerosos países, buscando escenarios para su futuro film. Entre los países en que tuvo lugar la filmación se encuentran Sudáfrica, Namibia, Jaipur, República Checa, Bali, Rajastan, España… y, sobre todo, India. Es un paseo por medio mundo con arquitecturas de ensueño.



Tarsem Singh.- Realizador y productor angloindio, que nace en 1961, en Punjab (India).
Su padre era piloto. Ello hace que ya desde niño viva en lugares muy dispares (India, Irán, el Himalaya, EE.UU.) A los 24 años se traslada a California donde comienza su carrera en el mundo de los anuncios televisivos (para grandes empresas como
Smirnoff, Coke, Nike, Levis y Pepsi) y de los videoclips musicales, entre otros:
Hold On, en Vogue; Sweet Lullaby, de Deep Forest y Losing my Religión del álbum Out of Time (1991), del grupo R.E.M., uno de los más famosos vídeos por el que obtiene el "Premio MTV al Mejor Video".
Como director de cine, “El sueño de Alexandria” es su segunda película. Y actualmente trabaja en la próxima: "War of the Gods", donde narrará una feroz guerra entre dioses, titanes y humanos en la antigua Grecia.
Sus películas tienen mucho atractivo visual e imaginación y muestra destreza en el arte del montaje por provenir de la industria de la publicidad.
Tarsem tenía claro que la relación entre los personajes tenía que ser natural, real. Para esto decide dejar que los actores puedan cambiar diálogos. También tenía claro que no quería actores conocidos.
Para el papel de Roy se fija en el actor norteamericano Lee Pace.

Buscó por escuelas de muchos países y de Rumania le llegó un video sobre Cantinca Untaru que le sorprende. Como tiene seis años y como no quiere al personaje mayor, tiene que empezar el rodaje pronto ya que sino no será la misma. La primera escena rodada se llevó a cabo en el primer encuentro entre Catinca y Lee. La niña le vio aparecer en silla de ruedas y su conversación fue muy natural pues creyó realmente que no podía andar. Algunas tomas fueron rodadas con cámara oculta.

Impresiona la gran naturalidad y espontaneidad de la niña.

Algunos críticos solo han visto en esta película estimulación visual, poco más. Yo creo que no solo tiene mérito estético, también tiene contenido humano y ético. En medio de todos esos escenarios fantásticos está el drama. La niña que perdió a su padre y lo busca, el hombre que perdió el amor y huye. La lucha por conseguir el bien. La importancia de la imaginación. Y también está la moraleja: Asumir la responsabilidad sobre la vida de otros conlleva asumir responsabilidades sobre la propia.


YO TAMBIEN "BELLA"


El domingo fuimos a ver “Bella” con hijos y sobrinos, una pandilla de chicos entre trece y dieciséis años que engancharon perfectamente con el protagonista y disfrutaron de la historia. Salimos muy contentos del cine. Como cuando algo te aporta realmente algo y bueno. No en vano dice Eduardo Verástegui que está interesado en producir películas que tengan el potencial de tocar la conciencia y los corazones de la gente, historias que eleven la dignidad de las personas.


Este fin de semana “Bella” ha sido de las películas más taquilleras. El cine estaba lleno y tuvimos que sentarnos en la segunda fila. Daba igual, así vi más de cerca de Eduardo.


El tema del aborto aparece, pero desde la perspectiva muy respetuosa de una historia de amor y amistad, sin que se den escenas desagradables. Por lo que no parece un film propiamente sobre el aborto. Trata el amor a la vida, la generosidad, la amistad sincera y la importancia de la familia. Eduardo demuestra una extraordinaria habilidad para transmitir valores humanos. Y su mirada desde luego nos encandila a las señoras.


La semana anterior lo vi en una entrevista que le hacían en Intereconomía. Habla muy bien, con el corazón, sabiendo como transmitir esos sentimientos que le empujan y con más razón que un santo. Además es guapísimo.


En fin, que he quedado impresionada con él y el trabajo que realiza.


Dejo aquí algo de lo que dice Eduardo Verástegui sobre su trabajo:

“Después de doce años de carrera, de lograr todos esos sueños que pensé me iban a dar la felicidad, de haber llegado de un pueblo chiquito a Hollywood, de hacer una película en inglés, de tener doce managers, publicistas, agentes, abogados, todo tipo de personas trabajando para mí para lanzar el próximo “latin lover, Don Juan, casanova”; y de pronto ¡¡confundido porque no era feliz!!”
“Gracias a Dios me di cuenta de que estaba viviendo en una incoherencia total, en contradicciones continuas”, recuerda.
Y acabó con la idea de crear “Metanoia films”, “porque la palabra metanoia significaba conversión en griego, y eso es lo que me había sucedido”.
“Bella”, dirigida por Alejandro Monteverde, es una historia de amor rodada enteramente en Nueva York y con la que se ha querido mostrar en la gran pantalla una imagen de la comunidad hispana alejada de los tópicos y estereotipos con la que a menudo es tratada por Hollywood.
“Para mi, el premio más importante es cuando alguien viene y me dice ‘tu película cambió mi vida’ pero cuando vienen premios como los de Toronto, donde ganó el premio de la audiencia como Mejor Película y el de ‘Legacy Awards’, del Smithsonian, por la contribución positiva a la comunidad latina en EEUU, gratitud es la palabra que queremos decir”, argumentó.

SABER PERDER

Nuestra plena realización pasa por caminos que no siempre coinciden con la hoja de ruta que habíamos programado. Durante la travesía tenemos que luchar cuando llega el dolor, la injusticia, la enfermedad… Nos puede parecer que son impedimentos para conseguir la felicidad o el objetivo al que apuntábamos. Encontramos bifurcaciones y hay que parar, reflexionar y decidir. Muchas veces, saber perder. Y sobre todo, saber amar. Porque quizás para ganar un bien mayor tenemos que renunciar a una idea, ese apego, esa tranquilidad…Puede hacer falta cambiar el rumbo, dar un golpe de timón.
Luego comprobamos que todo ha sido para bien y que en la vida hay un designio que el amor va tejiendo.
Este invierno vi una película danesa que es buen ejemplo de esto: “Después de la boda”. En ella se da una des-composición para dar lugar a una re-composición. Uno de los protagonistas toma decisiones con un alto coste, pero lo asume y consigue la solución a su angustia, salvar a las personas queridas. Se dan situaciones que lanzan preguntas al espectador, se enlazan ideales y debilidades.






La película nos habla de la capacidad de las personas para tomar decisiones difíciles. Es profunda, humanista y en algunos momentos muy emotiva. Es capaz de hacer pensar sobre la responsabilidad por uno mismo y por los demás.
Es una de las películas más interesantes que he visto, su directora es Susanne Bier. Está filmada según las normas “Dogma 95”, que evita escenografía como cuando se graba cámara en mano, sin efectos especiales. Pero no es exagerada en esa línea. La recomiendo.

JUNO


He visto las dos películas sobre el tema del aborto: “Juno” y “4 meses, 3 semanas, 2 días”. Las dos son muy buenas pero la primera se ve con agrado y simpatía y la segunda es muy angustiosa, es un drama. Y es que “Juno” apuesta por la vida y tiene el apoyo de su familia y la sociedad, mientras que “4 meses…” termina con la vida a la vez que describe lo tenebroso de los últimos días de comunismo en Rumanía.

Juno, natural y aparentemente despreocupada, se distingue por su agudeza y sensatez. Ella resuelve el problema de manera responsable, aunque le cueste dar la cara y presentarse con su embarazo en el instituto.

Cuando Juno va a entrar en la clínica encuentra una compañera haciendo propaganda provida y las palabras que oye hacen reacción en ella para pensárselo mejor. Además, su padre y su madrastra reaccionan de una manera espectacularmente tranquila. Yo creo que primero emplearía un tiempo en caerme de espaldas y reponerme. En fin que la familia se une para ayudar a Juno y conseguir hacer realidad la solución que ella ha buscado.

Es necesario que las mujeres que piensan en el aborto como única salida se encuentren con personas que las acompañen y ayuden. Que sepan que su hijo es ya un ser valioso y único, que no están solas y que hay más soluciones que el aborto.

Me parece que si hay debate y enfrentamiento con el tema del aborto no es porque no se sepa que ya en su inicio el feto es un ser humano diferenciado de la madre, sino porque, sabiendo esto, se relativiza para no darle importancia y conseguir la salida fácil sin tener sentimiento de culpa. El egoísmo y la cobardía no quieren dejar rastro de culpa.

La solución de Juno es más justa para su hijo y más sana mentalmente para ella. Y no tendrá remordimientos. La película tiene un final feliz.

Por cierto ¿sabíais que el productor de esta película encontró a la guionista, Diablo Cody, mientras navegaba por internet leyendo blogs? Le hizo reír durante seis meses hasta que la llamó y le preguntó ¿ha pensado usted alguna vez en escribir un guión cinematográfico?